lunes, 12 de diciembre de 2016

RESEÑA - Posesion Infernal (Evil Dead) - 1981






Un grupo de amigos van a una cabaña remota en una montaña a pasar unos dias, cuando en el sotano encuentran un libro macabro y una grabadora. La reproducción de las cintas liberarán fuerzas malignas que iran acabando con cada uno de ellos, haciendolos dudar de su propia cordura.

A principios de la década que marcó el principio del cine como algo accesible para cualquiera que quisiera abordar un proyecto simepre y cuando contara con una camara y microfono, Sam Raimi debutó en el género del terror con una obra que sigue siendo tan aclamada como recordada incluso mas de treinta años despues de su estreno.



En “Evil Dead” seguimos a Ash (Bruce Campbell), quién deberá luchar por su supervivencia contra las fuerzas del mas allá luego de que sus amigos fueran poseídos. Ash no es el típico héroe de película con la suficiente confianza en si mismo como para acabar él solo con un ejercito de zombies, sino todo lo contrario. Es mas bien un poco quedado y poco valiente, quién con su simpatía y falta de encanto intenta encajar con actitudes estupidas y chistes infructuosos.

                      

La película comienza al borde de la acción, donde lo primero que vemos es a Ash y compañía viajando en su auto hacia la cabaña. ¿De donde salieron? ¿Cuál es su historia? ¿Tiene una buena relación que podría dificultar un eventual enlace? No lo sabemos. Cuando nos damos cuenta ya estamos metidos en la trama, conociendo la casa y presenciando todos los hechos extraños que tienen lugar allí.
Esto puede resultar atractivo para quienes no disfrutan todo la preparacion previa a un argumento, sin embargo, es esta falta de explicaciones y conexiones lo que la final termina perjudicando a “Evil Dead”, la cual cuenta con una primera parte que se desarrolla a un ritmo bastante destacable, pero con una resolucion en la segunda mitad que de a momentos se hace eterna al punto del hartazgo.



Lo que si es valorable es la atmosfera que rodea a la película. Desde le primer momento nos acompaña una musica, no terrorifica pero si inquietante, que junto a las imágenes de Raimi forman una tensión bien elaborada pero no grandiosa. Una tensión que hasta el final de la cinta no deja de ir en aumento, pero que se siente pobre a la hora del remate. Se nota el amateurismo de Raimi y su equipo por aquel entonces, no solo en las imágenes que entran por nuestro ojos, sino tambien por su edicion; una edición bastante rara que se siente entrecortada y carente tanto de sentido como de conexión de a momentos, cuando de buenas a primeras vemos a nuestor protagonistas en una situacion extrema, y a la siguiente escena presenciamos su tranquilidad como si nada hubiese sucedido.


                 

Al comienzo, nuestros protagonistas son bastante escepticos a lo que ocurre en la cabaña, siendo esta ignorancia tal vez involuntaria lo que nos lleva a no crear un vinculo del tipo afectivo con ellos, sino mas bien de algo parecido a la aberración, queriendo que de una vez por toda se resuelva su historia y termine de la peor manera posible. No son personajes odiables, pero si dificiles de ver; son la representacion de esa joven generacion que solo buscaba diversión.
Sin embargo hay que saber diferenciarlos de sus pares de las películas slasher. Tomando las peliculas de Jason como referencia, todos sabemos que los protagonistas eran tan idiotas como para caer justo en la trampa y terminar mal. En este caso no, y Ash y sus amigos deciden quedarse en la cabaña (menos una, en un determinado momento, pero es perdonable ya que regala una escena memorable) protegiendose lo mas posible de los desconocido, que de igual manera se las arreglara para entrometerse, jugar con ellos, sus cabezas, sus sentimientos, y destruirlos.




Cuando al guión nos referimos, es indudable que este no es el punto fuerte de la producción. En realidad casi nunca lo es en una cinta de horror, lo que es entendible cuando el objetivo es asustar visualmente. Es este terror visual lo que mas se destaca en este caso, con un maquillaje a un gran nivel que logra inquietar hasta al que se hace el mas duro de todos. Las cuotas de humor necesarias para bajar la tenison tampoco cumplen con su objetivo, logrando entorpecer a nuestros protagonistas y hacerlos parecer aun mas merecedores de lo que les ocurre.
Sin embargo el trabajo de Raimi es bueno, llegando su camara a funcionar como ojo espía que atestigua todos los acontecimientos. Los movimientos alrededor de la casa, cuando vemos hacia dentro por las ventanas o cuando recorremos el bosque convertidos en el espiritu, son algunos de los momentos destacables en lo que a dirección se refiere. Una dirección que claro está no es magistral, pero si lo suficientemente eficiente como para hacer de la experiencia algo casi disfrutable.

                  

“Evil Dead” se convirtió en un monumento en los años posteriores a su estreno, en un ejemplo a seguir de como con pocos recursos se podría lograr una película buena y medianamente entretenida que guste al público. Dos secuelas vieron la luz en años posteriores, e incluso un remake en 2013.

No sería mentira decir que con las decadas ha perdido su encanto, pero realmente es así. Si se la ve con la cabeza del siglo XXI nos parecerá una estupidez, pero debemos cambiar el chip y situarnos decadas atrás en donde lograr una película “independiente” era casi IMPOSIBLE.
Eso es lo fantastico del cine, esa dualidad que, dependiendo de como se mire,se encare una obra, el veredicto puede ser tanto bueno como malo. Está en el espectador decidir cual será el suyo.




TÍTULO: The Evil Dead
AÑO: 1981
GÉNERO: Terror
DIRECTOR: Sam Raimi
PROTAGONISTAS: Bruce Campbell - Ellen Sandweiss - Richard DeManincor - Betsy Baker - Theresa Tilly


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sábado, 26 de noviembre de 2016

RESEÑA - Cobain: Montage of Heck - 2015






A partir de material de archivo inédito entregado por la familia, que van desde diarios hasta audios del propio Cobain, Brett Morgen se propone descubrir al hombre detrás de la estrella, con todos sus miedos y preocupaciones, fortunas y desgracias, que lo llevarían a convertirse en una de las personalidades mas influyentes de la década de los 90’s.

Cobain nace en una sociedad Norteamericana alegre y bien posicionada luego de la guerra. Desde su nacimientos y sus primeros pasos en la infancia atestiguamos como era un iman para quienes lo rodean.



Sus años de niño fueron duros. Era muy hiperactivo, lleno de energia que demostraba un talento especial por lo artístico desde muy temprano en su vida; pero a medida que fue creciendo, los problemas fueron apareciendo.
Primero el divorcio de sus padres, que derivó en sus actitudes que lo llevaron a ser ingobernable, llevándolo a vivir en casa de sus tios y abuelos con quienes no estuvo mas que semanas. Fue en esta etapa en donde incursionó en el vandalismo y por primera vez probó la marihuana.



En “Montage of Heck” queda algo claro: lo que Cobain de verdad quería era ser apreciado, que lo quisieran. A traves de una edición
tenaz con música y sonidos de estruendo, sumado a una recreación animada de los eventos de la juventud de Cobain, el director nos muestra a un tipo que no quería sentirse solo ni diferente, que quería ser parte de algo, de un grupo.
Es en ese entonces en donde la música toma un lugar importante en su vida, donde puede encontrar otros como el, donde puede expresar su enojo y alienación; es allí donde aparece NIRVANA.



La primera mitad del documental tiene un ritmo lento. Ver sus comienzos es entretenido para quien conoce de su pasado más lejano, pero para aquellos que no están muy metidos en su vida puede resultar algo tedioso.
Sin embargo, todo cambia en la segunda mitad una vez que NIRVANA copa el escenario. Es tal la fuerza, el ritmo que adquiere la cinta, que se transforma en el trayecto ascendente de una montaña rusa, el cual de antemano, incluso antes de subirnos, sabemos que terminará en una estrepitosa y potente caída.



“Montage of Heck” es una excelente pieza para todo el amante de la contracultura de los 90’s, el grunge en sí, de Cobain y NIRVANA. Incluso lo es para aquellos poco interesados en el movimiento, quienes encontrarán en el documental un relato clásico de la historia del cine y la literatura universal: el ascenso y la caída de un ser humano a quien el éxito le llega tan repentinamente que no puede lidiar con el, acercándose a todo tipo de adicciones que lo terminarán destruyendo.

“TODOS TENEMOS LOS MISMOS PROBLEMAS Y PENSAMIENTOS. TOCO POR LOS JÓVENES, VENGAN DE DONDE VENGAN”




Nirvana se convierte en un éxito muy rápido, trepando y manteniéndose en lo más alto de los rankings musicales, hasta cosechar su más grande éxito en 1991 con “Smells Like Teen Spirit”.
Cobain era un tipo ambicioso, que quería ser el mejor en lo suyo al igual que el éxito a través de sus composiciones, pero a la vez era un tipo que no estaba preparado para afrontarlo; un señor con una sensibilidad extrema y muy volátil, a quien herían los comentarios de la prensa en general.



El público era apasionado y tenía mucha expectativa, al igual que ejercían mucha presión tanto en el grupo como en el mismo Cobain, quién terminaría convertido en la voz de su generación sin quererlo, sin estar preparado para   ello. Solía sentirse evaluado las 24 horas del día los 7 días de la semana; no le interesaba ese puesto de portavoz de una generación apática, ni ser considerado el John Lennon de su tiempo.



Todo esa presión, sumado a todas sus adicciones y su relación amorosa/destructiva con Courtney Love, el amor de su vida con la quien tuvo a su hija Frances (productora de este documental), lo llevarán a su caótico desenlace en el mes de abril de 1994, en donde el mundo musical perdió a una de sus más grandes figuras.

“Montage of Heck” se estrenó en EL AÑO del documental de músicos muertos. Junto a “Amy” y “Janis: Little Girl Blue” forma parte de esa “trilogía” imaginaria de retratos de músicos desgraciados fallecidos a la misma edad.



Personalmente tengo preferencia por este trabajo, tanto por su narración, estructura, representación de los hechos y retrato del protagonista, al igual que por ser un fanático de su música. Y es siendo un fanático confeso, que digo que el retrato de la banda y su líder no podría ser mejor (tal vez si, si estuviera Dave Grohl).
Un documental con un ritmo acelerado como la música que tocaban, y una sensación de encierro y autodestrucción como de la que seguramente fue víctima el mismo Cobain. Por dos horas y unos minutos dejamos de ser nosotros mismos, y nos transformamos en Kurt.



TÍTULO: Cobain: Montage of Heck
AÑO: 2015
GÉNERO: Documental
DIRECTOR: Brett Morgen
PROTAGONISTAS: Kurt Cobain – Dave Grohl - Krist Novoselic - Courtney Love


Entrada recomendada

Aguirre, La Colera de Dios - 1972

sábado, 19 de noviembre de 2016

RESEÑA - Carnaval de Almas (Carnival of Souls) - 1962




Tres amigas sufren un accidente
automovilístico en un río. A las horas, una de ellas reaparece sin recordar cómo pudo sobrevivir.  Mary Henry (Candace Hilligoss) no vuelve a ser la misma después del acontecimiento. Alejada de la gente, consigue trabajo como organista en una iglesia de otro pueblo, jurando no regresar nunca al propio.

sábado, 5 de noviembre de 2016

RESEÑA - Los Paraguas de Cherburgo (les parapluies de cherbourg) - 1964





Genevieve (Catherine Deneueve) de 17 años, quien trabaja en la tienda de paraguas de su madre en la ciudad de Cherburgo, y Guy (Nino Castelnuovo) de 20, empleado en una estación de servicio que vive en el mismo apartamento con su anciana madrina, son una pareja de enamorados a escondidas, quienes no gozan de un gran poderío económico pero tienen lo más importante, el uno al otro.

martes, 1 de noviembre de 2016

RESEÑA - Serpico - 1973







Basada en la historia real de Frank Serpico, abarca los cinco años de este en la fuerza policial de Nueva York, y como se convirtió en el factor mas importante a la hora de desenmascarar la corrupcion reinante en ese entonces.


La película abre con el sonido ascendente de una sirena de ambulancia y un primer plano del rostro baleado de un Serpico (Pacino) barbudo y de pelo largo. “Quien podría haberlo hecho?” pregunta un oficial a otro, obteniendo por respuesta que muchos hubieran tenido motivos para hacerlo.
De ahí en adelante, comenzando con la graduación de Serpico, la cinta narra de una forma episodica muy bien construída el tortuoso camino de Frank a través de una policía corrupta y poco eficaz a la hora de combatir el crimen, hasta el punto de  partida de la película y las consecuencias de esto.




Con un guión muy bien adaptado del libro de Peter Maas, que logra mantener el suspenso en linea de forma constante, intercala la carrera policial de Serpico  con su fugaz vida amorosa, intentando generar un contraste infructuoso que baja el ritmo de la película.
Todo está orquestado por el histórico Sidney Lumet, otrota director del clasico judicial “12 Angry Men”, y quien repetiría con Pacino en 1975 junto a John Cazale en “Tarde de Perros”.

El tratamiento de Lumet a la historia es remarcable, logrando con tomas simples en su mayoría, un desarrollo argumental que resume un lustro en dos horas de forma muy convincente, seleccionando momentos importantes de la carrera de nuestro personaje que van desde su primer contacto y a la vez rechazo de las coimas, hasta su traslado de division e inevitable final.



Nueva York, tal vez la megalopolis mas grande del mundo, constituye el escenario de la historia; un lugar en donde las tentaciones y miradas para el costado, donde crimenes se dejan impunes, se encuentran a la vuelta de la esquina. En principio son los individuos quienes intentan influenciar al noble y correctisimo Serpico, pero esto va mas allá, y la ciudad termina siendo la mas grande influencia tanto para él como para sus compañeros desleales.

                            

En el papel principal (uno de los tantos de la decada del 70 que lo hizo la leyenda que es hoy) tenemos a Al Pacino, quien el año anterior habia irrumpido en la industria como el retoño Corleone en “El Padrino” de Coppola.
Es en “Serpico” en donde comenzamos a ver al Pacino que todos conocemos y adoramos. Encarnando al agente notamos sus clasicos pómulos marcados y su extraño caminar; Pacino es un confeso y evidente actor de método, y su trabajo no se limita solo a la interpretación facial, sino que su cuerpo todo se pone al servicio del arte.



A lo largo de la película Serpico va sufriendo cambios en su apariencia, comenzando con un bigote que aumenta de tamaño y una larga cabellera final en pos de resultar efectivo a la hora de infiltrarse en sus misiones.
Los fines de los 60’s estan retratados por fiestas numerosas y actitudes Hippies liberales que venian en picada en ese entonces, donde Frank se ve involucrado activamente y es objetivo de prejuicios por su calidad de oficial. Es en este medio, donde probablemente mejor encajaría por su personalidad y fisico, en donde una vez mas terminará siendo rechazado. Serpico está destinado a ser un lobo solitario en su camino de enclarecer las cosas.




“Soy un policia honesto, o lo suficientemente estúpido para que me disparen en el rostro?” se autocuestiona Serpico en el hospital. Un problema que aparentemente afectaba a su division, a la larga termina tomando dimensiones enormes e inimaginables, y es la rectitud de Frank lo que lo lleva a ganar enemigos en todos lados, a sentirse inseguro a cada segundo, incapaz de caminar por el parque sin sentirse amenazado. Es advertido que de seguir asi podría no tener a sus compañeros cuando mas los necesite, y arriesgandose, hace caso omiso a esas palabras, siendo consciente de las consecuencias.



Lumet fue un maestro del cine de la segunda mitad del Siglo XX, y su capacidad de captar la tension y envolver al espectador en sus historias era magnífica.
En esta ocasión genera una atmósfera poco confiable en donde nuestro personaje puede resultar herido en cualquier momento, un retrato sucio pero a la vez fiel de Nueva York.
Una particularidad es el poco o practicamente nulo uso de la banda sonora. En un cine actual en donde la música pareciera esencial para crear un ambiente deseado, se podría argumentar que 120 minutos de película podría ser dificiles de tolerar si no la hay. Sin embargo, “Serpico” brilla por su silencio; un silencio que termina siendo mas eficaz que cualquier efecto sonoro y que no mantiene alerta ante cualquier evento que tenga lugar.



“Todo el maldito sistema está corrupto”

“Serpico” es una de los mas grandes exponentes de la ultima época dorada del cine americano, los 70’s. Es un reflejo de la realidad policiaca Neoyorkina, que por intereses personales hace la vista gorda a crimenes o no muestra interes en ellos por estar fuera de su zona de alcance. Es a la vez, posiblemente, la mejor actuación de Pacino y una de los mejores trabajo de Lumet.

Es cuando vemos a Serpico frente a un barco junto a su perro, esperando a que este zarpe con el ideal de un futuro mejor en Suiza, donde nos golpea como nunca su realidad, donde por fin vemos como se sintió durante sus cinco años en la policía: solo, sin nadie a su alrededor que lo apoye y siempre soñando con algo mejor intentando evadir la mala realidad. Es allí en donde Serpico se convierte en todas esas ovejas negras que intentan cambiar el sistema, pero terminan abatidas.



TÍTULO: Serpico
AÑO: 1973
GÉNERO: Drama – Hechos Reales
DIRECTOR: Sidney Lumet
PROTAGONISTAS: Al Pacino – John Randolph – Jack Kehoe Barbara Eda-Young – Tony Roberts

RESEÑA - ROMA - 2018

En dos años y medio que llevo publicando reseñas he tenido altibajos en cuanto a la producción escrita. Hoy en día me encuentr...