RESEÑA - BlackKklansman - 2018

Algunos años atrás me enfrenté a ‘Do The Right Thing’ sabiendo de su existencia gracias simplemente a que era mencionada en mi referencia literaria sobre películas (1001 Películas Que Debes Ver Antes de Morir). Inesperadamente, esa película me cautivó no solo por su ambiente caluroso, violento y musical, sino también por su notable violencia innata y el odio que reinaba en el aire. El hombre detrás de ese trabajo era Spike Lee, quien este 2018 volvió a la pantalla grande con una película tan polémica como necesario para el tiempo en el que vivimos.

RESEÑA - All That Jazz (Empieza el Espectaculo) - 1979

El auge de los musicales comenzó a fines de los años 40’s, principios de los 50’s y supo mantenerse en un alto nivel hasta bien entrados los 70’s, decayendo en los 80’s. Es ahora, en 2016/17 con la magnífica “La La Land” que el género pareciera poder resurgir de sus cenizas cual ave fénix. Es por esto que mi corazón y memoria cinéfila se activaron y ahora me voy a dedicar a uno de esos musicales no tan renombrados por el público en general, pero que en su tiempo fue una gran obra, acreedora de la Palma de Oro en Cannes y varias nominaciones al Oscar: “All That Jazz” de Bob Fosse.

RESEÑA - Los Paraguas de Cherburgo (les parapluies de cherbourg) - 1964

Genevieve (Catherine Deneueve) de 17 años, quien trabaja en la tienda de paraguas de su madre en la ciudad de Cherburgo, y Guy (Nino Castelnuovo) de 20, empleado en una estación de servicio que vive en el mismo apartamento con su anciana madrina, son una pareja de enamorados a escondidas, quienes no gozan de un gran poderío económico pero tienen lo más importante, el uno al otro.

RESEÑA - The Neon Demon - 2016

Jesse (Elle Fanning) es una joven aspirante a modelo recien llegada a la ciudad buscando un futuro en su profesion. Sin embargo, poco a poco la verdad de la megalópolis se ira desenmascarando, dejando ver lo que en realidad es: envidia, odio y obsesion por la belleza.

                                  

Mi unico antecedente con el cine de Winding Refn fue “Drive”, protagonizada por Ryan Gosling, que seguía la vida de un doble de riesgo en el mundo del cine.
Ya en ese entonces (la vi cuando recien comenzaba con esto de ver peliculas de forma seria, hace mas de dos años) noté un estilo particular en el trabajo del director, en donde la vertiginosidad del ritmo se deja de lado, y busca mas bien un desarrollo lento pero conciso.
Dejando de lado la violencia, la atmosfera generada  es tranquila, lo que se debe en parte al metodo de iluminacion utilizado. Con colores cercanos a lo calido y filtros que generan un efecto cuasi surreal, “Drive” no solo es una gran película, sino una gran representacion estética.



“The Neon Demon” toma todo lo visto en “Drive” (y seguramente en “Only God Forgives”) y lo eleva a la decima potencia. El violeta predomina, y en sus diversas tonalidades inunda toda imagen que vemos en pantalla, donde queda en evidencia ese aspecto de neon planteado en el titulo. Esto es lo que le da esa sensación surrealista, un surrealismo que no se basa en mostrar cosas irreales como la mayoria podria pensar, sino mas bien en formar una nueva imagen de la realidad mas alla de lo normal, utilizando elementos que ya se tienen.
Contando ya con tres películas que facilmente entran en una misma categoria (al menos visual), queda claro el estilo que el director danés Intenta inculcar en sus trabajos.



Lo que puede suceder con “The Neon Demon” son dos cosas, ya de por si totalmente opuestas: o te encanta, o la odias. Se la puede aborrecer por su ritmo lento/quedado o por la aparente falta (hasta determinado momento) de acontecimientos interesantes, o se la puede amar tanto por sus visuales como por su banda sonora. Ambos sentimientos vienen de la mano, ya que si se la ve de determinada forma no se puede pasar por alto la otra; sin embargo, llega un punto en el que ver películas se convierte en algo monótono, en donde siempre sucede lo esperado, donde la estructura es la misma o tiene pequeñas variaciones y no se arriesga a la hora de innovar, o tomar un camino distinto. La película de Refn viene para cambiar eso.
No es una película mas, ni mucho menos una facil de digerir (véase el final), ya que la calidad artística la hace resaltar entre las demás. Es un conjunto integrado por la música, la fotografía y las actuaciones, que logran un todo distinto pero el cual vale la pena descubrir.
“The Neon Demon” es el tipo de película que le recuerdan a uno por qué el cine es considerado un arte, y como toda expresión artistica, las miradas y opiniones pueden ser diversas. Winding Refn no solo busca hacer películas, sino tambien traspasar esa barrera con el espectador que a veces suele ser la pantalla. Y lo logra.




                “LA BELLEZA NO LO ES TODO, ES LO UNICO”

Winding Refn dijo en la conferencia de prensa de Cannes que esa frase habia sido producto de la improvisación en el set. Yo me animaría a dudar de la autenticidad de esa version, ya que para ser un producto momentaneo, expresa demasiado bien lo que es la pelicula y lo que quiere transmitir.
Siendo el actual, un mundo en donde la belleza exterior se ha convertido en una obsesion, al igual que una prioridad y practicamente lo unico que una persona pareciera tener para ofrecer, el director y su scoguionistas logran captar esa esencia, y exponerla de una forma brutal al igual que convincente.

                              


Al ser la nueva, joven, bella y a la que todo pareciera salirle bien, Jesse es el objeto de odio de las demas modelos, que ven en ella una amenaza para su ascenso en el mundo de la moda. Fanning aporta un aspecto inocente y virginal al personaje, que le abren puertas impensadas para una recien llegada a la industria; sin embargo, a medida que la película se desarrolla, Jesse va perdiendo esas cualidades que al principio la diferenciaban del resto, para convertirse en un simple elemento mas de este macabro mundo.



Tanto quienes la rodean como la ciudad misma son quienes corrompen/corroen a Jesse. En primera instancia son sus colegas, luego los que trabajan en las diversas areas de la moda, como en la fotografia, al igual que las grandes compañias; pero en mayor magnitud, la responsabilidad se la lleva Los Angeles.
La ciudad es donde va todo aquel que aspira a un futuro brillante, a sabiendas de que all llegar allí dejarán atrás su inocencia, su pasado, y harán lo que sea necesario para trepar alto en la pirámide del éxito.
Elle Faning dijo tambien en conferencia de prensa que ella decidió no personificar al demonio de neon, sino mas bien darle esa cualidad a la ciudad en si.



Si uno es seguidor del cine de terror poco conocido popularmente de decadas anteriores, no demorará en relacionar el trabajo de Winding Refn con la “Suspiria” de Dario Argento de 1977. No solo su estilo visual es parecido, sino tambien la esencia de la historia, en donde Jessica Harper encarna a una bailarina de ballet que se muda a una residencia/academia macabra. En ambos casos el leimotiv es encontrar la belleza, en una representada como fisica y en forma de éxito, y en la otra como la perfección en el baile.
Mientras que el trabajo de Argento es mas cercano al terror slasher, Refn se acerca a uno del tipo psicologico con toques de gore, que no necesariamente busca asustar, sino inquietar, hacernos sentir incomodos, mal con lo que estamos presenciando con la ayuda de efectos luminicos al igual que con imágenes fuertes y desagradables.



La película de Winding Refn es un reflejo aterrador (el cual espero sea dramatizado y no real) de la sociedad en la que vivimos.
Mediante la pérdida de la inocencia y de la esencia en pos de la belleza, nos demuestra como poco a poco nos vamos enajenando, transformando en algo que no somos, solo para conseguir resultados superficiales que terminaran siendo pasajeros.

Hitchcock solía decir que para que una película fuera buena, solo se necesitaba un buen guión. Sin embargo, en una epoca en el que cada vez se le da menos importancia a lo que se dice y mas a lo que entra por nuestros ojos recreado por computadoras, esto ha cambiado y tanto el trabajo del director como el de los actores deben estar a un buen nivel.
Ya se dejó en claro que Winding Refn lo hizo de las mil maravillas, de lo que no hablé fue de los protagonistas.




Fanning está mas que convincente en su rol, y con su delgadez y rostro delicado de seguro es la unica que pudo haberlo hecho tan bien. Tambien dice presente de manera casi que efimera Keanu Reeves, como arrendador del motel en donde se queda Jesse al llegar a la ciudad; un personaje un poco desquiciado, voluble y…con tendencias pedófilas? Lo importante es que lo interpreta muy bien.
Para el final quise dejar a Jena Malone, esta mujer con décadas en la industria que no ha tenido un papel que le otorgue un reconocimiento tan popular como se merece, en esta ocasión es la que mas resalta entre todos.
Su actitud protectora hacia Jesse al principio, que de a poco deja ver sus verdaderas intenciones es posiblemente uno de los puntos mas aterradores de la película. Termina siendo una mas de las que la envidian y una necrofila de ley, pero mas que nada, el atractivo mas grande de todo el apartado actoral. Es un gran rol de reparto que no estaría mal reconocerlo con, digamos…una estatuilla?




“La gente cree lo que se le dice”
…expresa otra frase en el guión, y si al público se le dice que vaya al cine a ver una superproduccion, lo va a hacer; y como nadie dice nada sobre “The Neon Demon” muchos se la perderán, sin saber que lo que estan dejando pasar es una de las películas mas únicas del año, y una de las, posiblemente, mas memorables.



TÍTULO: The Neon Demon
AÑO: 2016
GÉNERO: Terror – Suspenso - Drama
DIRECTOR: Nicolas Winding Refn
PROTAGONISTAS: Elle Fanning – Jena Malone – Keanu Reeves- Christina Hendricks

RESEÑA - Mustang - 2015

TÍTULO: Mustang
AÑO: 2015
GÉNERO: Drama – Coming of age
DIRECTOR: Deniz Gamze Erguven
PROTAGONISTAS: Gunes Sensoy – Doga Zeynep Doguslu – Tugba Sunguroglu – Elit Iscan – Ilayda Akdogan


Cinco hermanas huérfanas, a cargo de su abuela, festejan el fin de clase yendo a la playa con un gurpo de amigos, disrutando y festejando inocentemente dentro del agua. Sin embargo, una vecina las avista y va con el cuento para su abuela; le dice que están haciendo algo prohibido, mal visto por la sociedad. A modo de castigo, el control sobre ellas lleva a transformarlas en prisioneras de su propia casa.

Deniz Gamze Erguven debutó en el mundo de los largometrajes con “Mustang”, la cual participó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes del año pasado.
Es imposible no relacionar su trabajo con aquel de 1999 de Sofia Coppola con Kirsten Dunst a la cabeza, “Las Virgenes Suicidas”, en donde nuestra atención también se centraba en un grupo de hermanas en su pubertad. Sus similitudes son varias: ambos grupos son víctimas de la opresión, carecen de libertades y provienen de familias conservadoras.

Erguven no se propone deleitarnos con sus tomas, sino que apunta más a la simpleza de lo visual y a la intensidad de lo interior y personal. Sin embargo, esta simpleza en las imágenes es lo que las convierte en grandes, cuando un partido de futbol en donde todo en la tribuna son mujeres, o una caminata en la playa van más allá de lo que nuestros ojos captan, y se convierten en imágenes interesantes y de vital importancia.






         E L  Q U I N T E T O  P R O T A G O N I S T A


Sonay, Ece, Lale, Nur y Selma; ellas son las cinco hermanas que buscaran soltarse de las cadenas opresoras de su familia.
Interpretadas por chicas con casi ninguna experiencia previa, individualmente todas están muy bien, pero es cuando están juntas que la explosión de química, carácter y juventud (esto último, al principio) queda en evidencia.
A las puertas de su despertar sexual, cada una de lo afronta de forma diferente: escapándose por las noches, revolcándose en un coche, o utilizando la ropa de una de sus hermanas mayores.

Lale (Gunes Sensoy) es la más joven, pero a la vez la más temperamental de todas. La única decidida a cambiar las cosas. A medida que sus hermanas se van alejando, sus ansias de escapar crecen; la búsqueda de libertad y de una figura materna contenedora pareciera ser lo que la mantiene con la frente en alto, en pie, y evita que termine como una de sus hermanas.
A su vez, Lale es quien nos guía a través del argumento. Toma las riendas haciendo las veces de narradora externa y omnisciente, aportando datos que ayudan a comprender el todo. A pesar de tener las cinco un rango de importancia parecido en la trama, sin duda la que más resalta y obtiene un protagonismo central es Lale; a través de su mirada somos testigos de la vida.





No soy experto en Turquía y su cultura, y no creo que muchos de los que leen esto lo sean, pero el retrato logrado sobre la parte más conservadora de su sociedad es remarcable; y digo de la más conservadora, porque no es todo así, ya que en un cambio de locación somos testigos de Estambul, y vemos que las cosas no son tan así.
Uno creería que los matrimonios arreglados son cosas del pasado, que el hombre dejó de ser el mandamás y quien lleva los pantalones en la casa, que se llegó a una equidad  de género, pero no es así, y la película se encarga de dejarlo en claro. Tal vez su objetivo no sea criticar y destruir el modelo, sino mostrarlo y dejar en claro que aún existe, que la mujer no tiene voz en Turquía.


Para uno, viéndolo desde el otro lado del mundo, es agobiante e incomprensible el hecho de ver a estas jovencitas atravesar lo que se pone en sus caminos, no disfrutando de las libertades propias de la adolescencia, sino hacer lo que sus mayores quieren y no decidir sobre sus destinos, más que aceptando lo que los demás dicen.




Es un gran primer paso para la directora Turca, que no solo tuvo su lugar en el festival más prestigioso del mundo cinematográfico, sino que también se coló en la entrega de los Oscar como Mejor Película Extranjera, aunque sin resultado frente a la gran “El Hijo de Saul” del Húngaro Lazslo Nemes. A su vez, es también un gran comienzo de carrera para sus desconocidas protagonistas, quienes demostraron tener madera de actrices, y que si se lo proponen, de seguro podrán brillar.


“Mustang” es un retrato de algo que muchos ignoramos, pero es también un viaje hacia la libertad, a lo más básico del ser humano. Una mirada a sus relaciones interpersonales y con la autoridad. El amor, la niñez y la adolescencia. No es una película más. En fin, es cine.








                        VALORACION: 8/10



Criticas de películas del 2015

El Hijo de Saul - 2015En Primera Plana (Spotlight) - 2015
Mad Max: Furia en el Camino - 2015
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RESEÑA - El Hijo de Saul (Saul Fia) - 2015

TÍTULO: Saul Fia
AÑO: 2015
GÉNERO: Drama
DIRECTOR: Lazslo Nemes
PROTAGONISTAS: Géza Rohrig - Urs Rechn - Levente Molnár

Auslander Saul (Géza Rohrig) es un integrante de una unidad del Sonderkommando de Auschwitz, grupos de prisioneros encargados de llevar a otros a las cámaras de gas, incinerarlos, deshacerse de sus cuerpos y preparar todo para la próxima tanda.
Luego de una de estas tandas, su objetivo será darle un entierro digno a un niño, que sobrevive milagrosamente al gas, y con quien pareciera tener una relación particular.

Lazslo Nemes (38) nos regala una mirada del holocausto a cámara en mano, que resulta tanto original, como sorprendente e inquietante. Este recurso que, cuando bien utilizado puede ofrecer maravillas, genera una sensación  de agobio, encierro y terror pocas veces vista. Ayuda a generar ese lazo necesario con el protagonista para conectar con él y la historia y, aunque obvio esta que en una medida que ni comparación tiene, nos convierte en testigos del encierro y la desesperación por la cual cada judío en Auschwitz debió haber pasado.

El debutante Húngaro a su vez, nos ofrece los horrores del holocausto de una forma muy particular. Casi la totalidad de la película son planos del rostro de Saul, o en su defecto, su espalda. El punto es que la cámara pareciera no alejarse nunca de él; él es el foco de atención, y en un principio todo lo demás pasa a un nivel secundario, incluso los trabajos de limpieza, el arrastre de los cuerpos muertos, todo lo vemos desenfocado, por encima de los hombros de Auslander, como queriendo no ver, evitar esa realidad de infierno, intento que no tiene frutos, ni para nosotros ni para el protagonista.
Este desenfoque de la acción triunfa a la hora de  su cometido de lograr un interés en el espectador por Saul e intentar empatizar con él, ya que es casi imposible centrarse en un solo individuo cuando somos conscientes de los horrores que se llevan a cabo a su alrededor, cuando nos enfrentamos a un hecho histórico de tal magnitud; pero el dúo Nemes-Rohrig sale victorioso, y nos ofrecen una de las mejores películas sobre el genocidio del pueblo Judío.




           G É Z A   R O H R I G

Está más allá de lo magnifico en su papel de guía por este viaje crudo ante la realidad de la guerra y sus campos de concentración.
Al comienzo, si no se tiene conocimiento previo del rol que cumplían algunos Judíos en los campos (aunque se nos brinda una pequeña introducción apenas empezada la cinta) podemos sentir un rechazo hacia su persona, pero una vez que entendemos y vemos lo que pasa, no podemos sentir otra cosa más que dolor, angustia y lastima, además de no comprender la maldad y la mente retorcida de aquellos que hacían ser partícipes y sufrir tales atrocidades a otros.
Su rostro inexpresivo al principio es remarcable; permaneciera no inmutarse y ser una persona asentimental, no teniendo la capacidad de sentir algo por nada ni nadie, pero una vez que las emociones comienzan a aparecer sufre una metamorfosis, su rostro se transforma y nos transmites rasgos de humanidad envidiables, donde con el más simple gesto, con un leve cambio en su respiración, podemos darnos cuenta de cómo van las cosas.
Conectamos con él, compartimos su nerviosismo, sus decepciones y tristezas, y cerramos los ojos deseando que todo haya sido un mal sueño cuando nos vemos venir que no hay escapatoria del infierno.



E L  H O L O C A U S T O   E N  E L  C I N E

Ha sido un tema tratado de muchas y variadas maneras en la historia de la imagen en movimiento, retratado en muchas películas, de las cuales algunas han dejado su huella en el inconsciente popular, como “La Lista de Schindler” o “La Vida es Bella” en los 90’s, o “El Pianista” y “El Niño del Pijama a Rayas” ya entrado el nuevo milenio, en donde el punto de vista del Judío supera ampliamente al del conflicto, para convertirse no en películas bélicas, sino personales y humanas.

“El Hijo de Saul” llegó en 2015 para otorgar otra visión del tema que personalmente nunca había presenciado: desde dentro del campo, por un individuo que sabe cuál va a ser su destino.
Tiene un enfoque distinto desde el momento en que la banda sonora es inexistente, y la misma es suplantada por gritos desesperados, rasguños a las paredes, balas, el sonido de los cuerpos al ser arrastrados, los cepillos limpiando la sangre, o el crujir de las maderas y los cuerpos al ser incinerados. El aroma a muerte y el sentimiento de desesperación pareciera trascender la pantalla y llegar a nosotros. Sumado a esto, es terrible la crudeza de la que somos testigos; como se deshacen de los cuerpo como si fueran basura, solo para tener espacio para otros, los instantes finales de las vidas de los prisioneros.  Todo esto genera que un drama se convierta en una película de terror pura.



“El Hijo de Saul” apareció para instalarse en la memoria de todo aquel que se anime a descubrirla y convertirse en una referencia para próximas películas que intenten abordar el tema. Porque además de ser una excelente película, el holocausto es un tema en el que todos, directa o indirectamente estamos involucrados y del cual tenemos algún tipo de conocimiento, que en algún momento de nuestras vidas nos cautivó y llega a lo más profundo de nuestras entrañas con cada relato desgarrador. El cine lo llevó un paso más allá, lo masificó y lo transformó en un tema de interés y al alcance de todas las audiencias del mundo.




El estreno de la película tuvo lugar en Mayo del año pasado en el Festival de Cannes, donde las críticas positivas no pararon de llover, y en donde se hizo acreedora de cuatro premios, entre ellos, el Gran Premio del Jurado; aunque no se llevó el mayor, la Palma de Oro. Sin embargo, en Febrero del 2016 se llevó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, un reconocimiento más que merecido, y que la catapultó a una fama aun mayor, permitiéndole a muchos espectadores que desconocían de su existencia, darle una oportunidad y descubrir una de las mejores películas del 2015.
 


Es una mirada poco (como quien dice nunca antes) vista del holocausto, un gran trabajo de su protagonista, y un excelente primer largometraje de Nemes, quien sin duda, con una ópera prima así, pareciera no tener límites.
“El Hijo de Saul” es un golpe de realidad, inquietante, escalofriante pero necesario, que desde el momento de su lanzamiento, cuenta con vida propia.








                          VALORACIÓN: 9/10





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